zero visibility corp. è una delle principali compagnie di danza della Norvegia, affermata a livello internazionale. Fondata nel 1996 porta il segno inconfondibile della coreografa Ina Christel Johannessen il cui lavoro artistico è contraddistinto da una straordinaria espressività fisica e da una maestria tecnica che valorizza i danzatori ma al tempo stesso sottolinea la complessità della condizione umana, dando spazio ai sentimenti e alle emozioni di tutti noi. “_(im)possible_” affronta l'eterno conflitto e il paradosso insiti nella creazione di relazioni vere e autentiche. Il duo come forma e la seduzione come strategia artistica vengono qui a coincidere. Tutto è unito in questo spettacolo: vita e morte, gioia e dolore, estraneità e intimità. Tutto sembra possibile e impossibile allo stesso tempo. Il linguaggio della perfomance è acrobatico, dolce e poetico, comico e procede più per onde visive che di narrazione. Evoca più una forza, un impeto che una storia. La vita e l'energia (i danzatori e i loro i corpi vivi) coabitano con un'assenza (la morte e il vuoto). Una performance intensa capace di suscitare commozione e turbamento, torpore ed euforia.

*“**_Demo-N/Crazy_” *del coreografo catalano Rafael Bonachela, è un lavoro dinamico e di grande impatto visivo, che impone ai suoi interpreti un notevole sforzo fisico e una certa dose di agilità. Un montaggio serrato che non dà tregua ai danzatori e probabilmente neppure agli spettatori. L’opera ha per tema i rapporti umani, la concorrenza, il lavoro di squadra, la coppia, l’amore, l’avversione, le sfide, la solitudine; parla di molte cose e di niente, parla di ciò che lo spettatore vuole o può vedere. Ma parla. Comunica idee, sensazioni, metafore e sentimenti. _*“casi”*_ «è un viaggio attraverso i desideri, le aspirazioni, i sogni, le sconfitte, i vuoti e le delusioni che si provano in quella dimensione fragile, difficile da definire e spesso confusa che si situa tra l’essere sul punto di ottenere ciò che si vuole e lo scoprire di aver perso quell’opportunità per un niente. Il mio punto di partenza, in quanto europeo, è stato raccogliere gli aggettivi che, spesso per ignoranza, utilizziamo per descrivere la Cuba che immaginiamo. L’operazione è stata compiuta senza tagli né censure di alcun tipo.... Ne è risultato un ritratto incompleto dell’essere umano colto nel suo stato di maggiore vulnerabilità e abbandono…» (Juan Kruz Diaz de Garaio Esnaola) _*“Mambo 3XXI”*_ è profondamente radicato nel linguaggio della danza moderna, con particolare riferimento alle tecniche di contatto, al floor work, al flying low e alla street dance. Lo spettacolo nasce dall’incontro tra la musica di Pérez Prado e la contemporaneità grazie al talento coreografico di George Céspedes, assistito dai favolosi ballerini di Danza Contemporánea de Cuba e dai musicisti creativi di Nacional Electrónica che, partendo dall’estetica della musica popolare cubana, si aprono a nuovi ritmi e sonorità, utilizzando l’elettronica industriale degli anni Settanta, la techno, l’IDM, il trip hop, la musica minimalista e il genere ambient.

_"Per me l'arte è un'ossessione della vita e poiché siamo degli esseri umani, siamo noi il soggetto della nostra ossessione"._ Francis Bacon Martina La Ragione e Valentina Buldrini presentano _WILL_ ovvero la volontà di restituire al corpo tutto ciò che non dovrebbe_ _mostrare. “Abbiamo iniziato a lavorare insieme dopo un’esperienza comune con la coreografa israeliana Iris Erez all’interno della Gipsoteca del Canova a Possagno. Da questo incontro sono nate le prime considerazioni su un volere comune… _WILL_. Abbiamo iniziato ad ‘usarci’ per raggiungere un proprio desiderio, con la volontà di restituire al corpo tutto ciò che non ‘dovrebbe’ mostrare, una non-identità… tutto ciò che agli occhi di chi guarda possa apparire ingiusto, strano, distorto. Abbiamo, attraverso _WILL_, cercato il nostro spazio dell’errore. Abbiamo ricavato una stanza, il luogo del non lecito. Abbiamo vissuto il corpo come dimora concreta del mistero. Abbiamo trovato la vita del corpo attraverso la relazione fra l’interno e l’esterno, con la volontà di lasciare libero lo spettatore di osservare, di trovare il tempo di ascoltare, di immaginare, di domandare, di…sbagliare, senza dover per forza arrivare ad una soluzione drammaturgica univoca e irrevocabile”.

Nella cultura africana tradizionale, musica, danza e teatro sono inseparabili: essere sulla scena significa incarnare un personaggio, significa danzare. Partendo da questo presupposto, nel 2002 è nata la compagnia Faso Danse Théâtre. Il direttore artistico Serge-Aimé Coulibaly non intendeva creare soltanto una compagnia di danza ma anche uno spazio aperto all’incontro, alla riflessione e alla ricerca sulla coreografia contemporanea in Africa. Secondo FDT, la coreografia e, più in generale, l'arte sono innanzitutto espressione di un impegno: la volontà di interrogare e di provocare una reazione; il desiderio di sensibilizzare il pubblico su temi sociali forti attraverso l'emozione provocata dallo spettacolo, la danza, il testo, la musica e la scenografia; la decisione di ricorrere a un linguaggio universale per interrogare, condividere, eliminare le barriere e far conoscere la coreografia contemporanea africana, che trae la propria originalità ed energia dalle forti radici tradizionali affiancate a un'apertura nei confronti di tecniche e approcci diversi. “_Kohkuma 7º sud_” è una riflessione sui conflitti interiori che si mettono in atto per cambiare radicalmente la propria vita. Attraverso la danza, la musica e la video animazione lo spettacolo indaga sulla lotta interiore e sulle violenze represse, alla ricerca delle nostre paure, in un viaggio poetico e coreografico attraverso personalità nascoste.

Dopo il grande successo del duetto “_Couple-like_” (2006) con Keren Levi – che ha all’attivo oltre 100 repliche – e la magica pièce a più mani dal titolo “_Forces_” (2008), il coreografo belga Ugo Dehaes si avvale della collaborazione di otto ballerine per creare “_Women_”. Louise Chardon, Marie De Corte, Ida De Vos, Miryam Garcia Mariblanca, Sayaka Kaiwa, Kayoko Minami, Natascha Pire e Karin Vyncke danno vita a una danza di grande impatto fisico e di rara intensità. Ugo modella i movimenti delle ballerine e determina il loro respiro in modo tale che il pubblico in sala riesce a sentire la pièce dentro di sé, a viverla insieme alle interpreti. Distaccate dalla consueta prospettiva maschile, le danzatrici formano un gruppo che mostra differenti aspetti di sé; al tempo stesso, la coreografia permette ad ognuna di loro – tutte donne tra i 30 e i 50 anni – di far emergere in modo chiaro la propria personalità, dando un tocco autenticamente femminile alla performance.

Sin dalla fondazione della compagnia L'A, Rachid Ouramdane persegue un progetto artistico che lega la danza al linguaggio documentaristico. Le sue coreografie propongono una visione della politica ricca di suggestioni. “_Ordinary Witnesses_” nasce dalle testimonianze delle vittime di tortura e barbarie. «In questo nuovo lavoro ho voluto analizzare le tracce che la violenza della Storia ha lasciato sulla mente e sul corpo di chi ne ha fatto esperienza…Il mio nuovo spettacolo inizia lì dove si era concluso il precedente. Ai confini della civiltà e alla soglia della barbarie. La dove le persone lasciano il territorio dell’umanità per finire tra le fauci della tortura. Comporre un ritratto di chi ha subito tortura è un tentativo di descrivere l’impresentabile… Per questo motivo ho voluto con me danzatori con grandi doti di elasticità che potessero rappresentare l’idea di un corpo ‘insopportabile’, direi quasi dei contorsionisti capaci di assumere posizioni al limite dell’incredibile…Una metafora del passaggio da una quotidianità banale a una situazione di rara atrocità: una condizione che le persone che ho intervistato hanno vissuto realmente».

Torna a Roma “l’enfant terrible” della danza contemporanea, Dave St-Pierre. Dopo “_La pornographie des âmes_”, lo spettacolo che lo ha imposto a livello internazionale, presentato al festival Equilibrio 2010, è la volta di “_Un peu de tendresse bordel de merde!_”, il secondo capitolo del suo trittico sull’umano, l’amore, la vita e la morte, ancora una riflessione estrema sulla natura umana. «L’essere umano è stupido. Riesce sempre a innamorarsi alla follia, pur sapendo bene che sicuramente finirà per vivere una separazione che lo distruggerà. Eppure, più imbecille che mai, si lancia sempre alla ricerca di questa maledetta tenerezza. “_Un peu de tendresse bordel de merde!_” affettuosamente chiamato _“La tendresse_” dai membri della compagnia, è la seconda parte di un trittico sulle utopie contemporanee. Il momento di smarrimento tra due storie d’amore, i differenti tipi di tenerezza che ci si scambia con una persona in punto di morte, un bambino, un ex, un padre. L’intenso bisogno di ricevere tenerezza, o di darne, e tutto ciò di fronte al rifiuto dell’altro. Lo spettacolo è un saggio sulla ricostruzione dell’amor proprio, sulla ricerca di un’altra maniera di amare, di un’altra persona da amare e l’evoluzione di questo amore che si trasforma in tenerezza.»

Ko Murobushi è uno degli artisti più significativi della danza internazionale. L’artista giapponese, che già nel 2007 aveva incantato il pubblico di Equilibrio con lo straordinario solo “_Quick Silver_”, presenta a Roma la sua ultima performance da solista “_Inter-mezzo_”. “La mia danza non ha inizio né fine; sta sempre nel mezzo, tra le cose, inter-essere, ‘intermezzo’. La mia danza non è filiazione ma alleanza, unicamente alleanza”. Ko Murobushi è uno degli artisti di Butoh più conosciuti e applauditi al mondo, considerato il principale erede del maestro Hijikata. Dopo una breve esperienza come eremita “Yamabushi”, crea il gruppo Dairakudakan. Nel 1974 fonda la compagnia di Butoh femminile Ariadone e nel 1976 quella maschile Sebi. Come coproduttore delle due formazioni introdurrà il pubblico europeo agli spettacoli di Butoh suscitando l’ammirato stupore di numerose platee. Se da un lato Ko Murobushi apre la sua danza e il suo Butoh alle influenze del mondo, dall’altro radica il suo lavoro sempre più in profondità nella cultura giapponese. Le sue coreografie, così come le esibizioni solistiche, gli consentono di mantenere la posizione inespugnabile di maggiore e più rappresentativo artista del Butoh, anche se lui, nel frattempo, si pone senza posa nuovi traguardi aprendosi a nuove possibilità. _“Perché il mezzo non è affatto una media; al contrario è il luogo dove le cose prendono velocità. Tra le cose non designa una relazione localizzabile che va da una cosa all’altra e viceversa, ma una direzione perpendicolare, un movimento trasversale che le trascina, l'una e l'altra, ruscello senza inizio né fine, che erode le due rive e prende velocità nel mezzo”_. (Gilles Deleuze & Felix Guattari, Millepiani)_ “Tutte le idee che mi vengono non mi vengono dalla loro radice, ma soltanto da qualche punto verso la metà. Provatevi allora a tenerle, provatevi a tenere e ad aggrapparvi a un filo d'erba che cominci a crescere soltanto a metà dello stelo”._ (dai “Diari” di Franz Kafka)

“(espérame despierto)” è un spettacolo Mopa, con la regia e le coreografie di Juan Kruz Díaz de Garaio Esnaola, interpretato da Eloísa Cantón e Juan Luís Matilla. Lo spettatore è invitato ad osservare, quasi fosse un voyeur, il rapporto tra due personaggi che giocano con la continua metafora dell’abbandono: due persone che vivono, di fronte ai nostri occhi, momenti sensuali, difficili e divertenti. La musica diventa quasi un personaggio tra gli altri: abbiamo solo un violino, due persone e… lo spettatore. «Due personaggi dormono un sonno leggero e non si accorgono della presenza di coloro che fanno da testimoni al loro dialogo intimo. Un dialogo alla continua ricerca di una comunicazione, attraverso il linguaggio che i due hanno creato e fatto proprio. Da testimoni, la nostra sfida è quella di accettare di essere i compagni della loro vita quotidiana, osservatori esterni e non giudicanti della loro relazione». (Juan Kruz Díaz de Garaio Esnaola)